TEJEMANEJE
Por Manuel Garrido Barberá
Nos sirve de cobertura ante las inclemencias climatológicas. Disimula o realza nuestras hechuras. Nos identifica dentro de la masa, nos individualiza/nos gregariza. Habla por nosotros. En ocasiones permite reconocer nuestro empleo o diferenciar nuestro rango y clase social. Nos protege en la cama si hace frío, si algún insecto se propone atacarnos o si, debido a algún imprevisto ruido, nos asustamos. Bloquea la luz y las miradas indiscretas que irrumpen por las ventanas y la llamamos cortina. Nos cubre los ojos para dormir plácidamente en la oscuridad y se convierte en antifaz. En forma de toalla nos seca el sudor y nos aguarda tras el baño para similar operación. Presiona en forma de vendaje nuestros miembros rotos o inflamados.

Nos resguarda de roces e infecciones las heridas abiertas. Nuestras madres preguntan constantemente si nos hemos acordado de llevarla, especialmente cuando recibe el nombre de chaqueta o suéter. Empuja las embarcaciones que van a toda vela. Con ella se hacen las banderas. Nos tortura llevarla encima si superamos los cuarenta grados centígrados. Nos ata las muñecas con la intención de inmovilizarnos y con ella nos vendan los ojos para obrar sobre nuestro cuerpo sin ser vistos. Nos amortaja en el fin de los días y, en casos excepcionales, el negativo de nuestro cuerpo queda fijado sobre ella (en tal caso lo llamaremos santo sudario). Nos amordaza si es introducida convenientemente en nuestra boca y nos asfixia, recubriendo generalmente una almohada o cojín, cuando es presionada sobre nuestro rostro obstruyéndonos las vías respiratorias superiores. Con ella se hacen las banderas. Comemos ropa vieja. Utilizamos la ropa blanca y la interior. Quien es digno de loa resulta ser un tipo de buena ropa y del mezquino decimos que lo es de poca. Disparamos a quemarropa y, para zafarnos, nadamos y la guardamos. En el mejor de los casos acabamos hechos un trapo, un andrajo o un guiñapo. Ponemos las cosas en tela de juicio y si algo nos confunde vemos la situación por tela de cedazo. Para conseguir alguna gracia o favor no dudamos en mover nuestros hilos y si caemos en la provocación es porque entramos al trapo.
Discúlpeme pero no quisiera perder el hilo. Me gustaría pedirle, no con un hilo de voz sino a todo trapo, que constate como yo que la cosa tiene tela.
Mejor aún, tela marinera.

Rocío Garriga (ESP)

Azar y necesidad es una instalación que invita a reflexionar sobre la red de relaciones que se establece entre la incertidumbre y su reverso, la determinación. En ocasiones, tomar una decisión nos lleva a ponderar distintas posibilidades que suponemos o inferimos en función de una cadena causal imaginada, en esta línea vemos un dado que se sube a cada uno de los barcos que conforman el conjunto de esta propuesta. Un barco de papel, un viaje o un camino a seguir del que no estamos seguros con todo un conjunto de posibilidades subidas en él; y que multiplicadas en número, nos llevan a cuestionarnos si el par que forma la dicotomía Azar y necesidad es más bien una cuestión de elección: Azar o necesidad.

Andrea Gussi (MEX)
Colectivo EclosiónArte

Su trabajo está relacionado con el erotismo y la sexualidad femenina, cuenta con esculturas de cuero (de cabra, búfalo) la piel que estira y cose en una estructura sólida de hierro, iluminando siempre desde su interior (su sexualidad), utilizando materiales como la luz, el cuero, el hilo, la aguja, la madera y el hierro los que se mezclan en un contraste dual entre lo delicado y lo fuerte, como una manera en que la piel se aferra a su estructura ósea, siendo una metáfora de cómo nos aferramos a la vida, cicatrices, amputaciones que nos dejan marcados, sin embargo son parte de la experiencia, nuevos aprendizajes y constantes luchas interiores como exteriores. Su proyecto de investigación actual está basado en cómo la violencia afecta a nuestras sociedades y cómo el artista contemporáneo lo refleja en su obra plástica.
Siendo de ciudad Juárez, un lugar conocido por los feminicidios y la violencia que se ha desencadenado a causa del combate al narcotráfico y de la impunidad, y preocupada por la situación actual, comienza a investigar sobre los feminicidios, con material tan delicado como la cera, entretejiéndola con hilos que la hacen más fuerte. Es un proceso casi ritual en el cual va esculpiendo la cera, cortándola, quemándola después va forrando con hilos, como si fuera una momificación de las muertes impunes, con diferentes aromas, cabellos, colores y telas de ropa usada en su interior. Lupita, María, Rosa unas de las tantas mujeres asesinadas sin ser casos resueltos, esta serie trata de preservar la muerte y que no queden sus casos en el olvido.
Tejo, te protejo
envuelvo entre hilos tu cuerpo
por lo que una vez fuiste
por lo que dejaste
por lo que viviste
por lo que me diste
por que te marchaste.
Tu recuerdo
tu imagen
tu nombre
tu esencia preservará tu muerte en mi memoria.

Ana Herrero (ESP)
Colectivo EclosiónArte

La pieza videográfica nos muestra a la mujer y la araña, ambas relacionadas con lo siniestro, oscuro y enigmático bajo la perspectiva del psicoanálisis. Lo que pretendo es destruir el tejido psicoanalítico, la asociación negativa que se dio al insecto (araña) con la mujer. Busco una asociación entre la mujer tejedora y la araña que teje su propia tela. Mostrando así, una revisión de la imagen de ambas con más luz y claridad, un significado positivo sobre la asociación insecto y mujer que las asemeja.
La araña construye un tejido (telaraña) no sólo para cazar a sus presas, sino también construye una morada, un lugar donde refugiarse, un lugar de protección. La mujer teje prendas con un uso protector, dando calor y bienestar.

Marta Herrero (ESP)

Re imagina
Re teje
Re crea
Re forma
Mis tapices son un juego de retales, de encajes y de texturas que aluden a la mezcla de identidades. Un todo formado por muchas partes que interactúan y se enriquecen. Las migraciones, la miscelánea de culturas y costumbres, tradiciones, lenguas y creencias que convierte una sociedad desquiciada en una sociedad un poco más rica. Por otra parte en mi nido de ropa he querido cuestionar el ansia consumista que termina por llenar cajones físicos y psicológicos que por algún motivo necesitan ser llenados. Cajones que se convierten en una maraña de materiales inconexos y formas de apariencia orgánica que forman parte de nuestras posesiones. Bienes que cargamos creyendo con fe en las bondades de la acumulación, en el acto de atesorar.

Mariana Moreno (CHL)
Colectivo EclosiónArte

El cuerpo como exposición finita de la existencia, carne agotable volcada hacia fuera, pero con infinitos cruces y derrames de sentido. Somos cuerpo en el mundo, que se debate en un sin número de situaciones y especulaciones, ya sean sociales, filosóficas, científicas, tecnológicas o artísticas. Esta masa trascurre entre lo privado y lo público, entre lo visible y lo que no lo es. A pesar de todas estas relaciones que se esbozan en torno al cuerpo, existe un espacio en que nos encontramos en terreno baldío, es el momento en que “somos” y sentimos, espacio en que percibimos el semblante de la incertidumbre, cabalgamos sobre ella, se apodera de nosotros, anverso y reverso de muerte y vida proyectadas en esta carne que nos hace materia en el mundo, espacio efímero que contribuye a un estado de palparnos en tránsito y como dice Enrique Linh en sus Diarios de Muerte

“Nada tiene que ver el dolor con el dolor
nada tiene que ver la desesperación con la desesperación
Las palabras que usamos para designar esas cosas están viciadas
no hay nombres en la zona muda”

El cuerpo a su vez como superficie del erotismo, ambos conceptos intrínsecamente relacionados, en el cuerpo se enlazan y tejen definiciones de deseo y el dolor, el cuerpo está allí, tan macizo y real, presencia inmediata que palpita, pero a su vez tan frágil y mutable como un vientre en expansión. Intensidades que pasan, circulan, se desplazan, su capacidad de metamorfosis que desencadena en vértigos, cada uno de sus lugares entre punciones y vibraciones. La piel tanto umbral a nuestra exposición al exterior como amplitud de sentido.

Y en un intento por trazar ese magma insostenible brotan tejidos y destejidos de las pulsaciones de carne y recubrimiento, en que construyo mi individualidad; comisura húmeda o disección, curiosidad por ver un fragmento, un vestido abierto, las fauces de un orificio o simplemente una boca, contenedor y derrame de trenzado a través del proceso de descomposición y fragmentación. Tejidos que son extensión, nobleza y confusión. Como un dibujo interminable, me extravío en el laberinto, se traman en sincronía, entran y salen cosquilleos del ombligo. Irrumpir lentamente en el serpenteo de la vida, me sigo perdiendo y encontrando entre mis hebras, evocando un silencio, espacio mental y corporal donde juego al esconder y develar la cuerda, dimensión permeable donde demando la facción sometida del cuerpo, dolor y muerte como límite, herida, mutilación, tronco y trozos, cuerpo sometido a la temporalidad. Y este texto referido al cuerpo sólo como una intuición fugaz, un intento por atravesarlo.

Mara Orduña (ESP)

La reflexión de este proyecto, que abarca una serie de esculturas a tamaño real, de niños, se acoge a la propuesta del textil llevada por la reflexión de que la tela oculta. El objeto de esta serie de esculturas es precisamente mostrar, desvelar al público, a aquellos que las presencian, un hecho antiguo, pero muy actual, escondido, la agresión sexual de hombres adultos a niños; la pederastia, la violación, de una forma lo más real que se pueda y es por lo que el decante ha sido tridimensional, precisamente buscando un choque visual directo, agresivo, que nos haga sentir violentos, que conmueva, incluso que pueda despertar recuerdos, que es precisamente en lo que se convierten estos hechos, en secretos, por parte del violador y el agredido. En ellas, ruego, no se vea, el carácter material, ni de textura, no hay poética, no trasciende, no quieren si no hablar de la vida real, lo que ocurre a niños y niñas en muchas familias, con desconocidos o conocidos, y que se queda en la sombra y se lleva encima cada día, como una prenda más.

En “El Comienzo del Mundo”, Romeo Niram coloca el retrato de Albert Einstein a través del de Brancusi. En medio de los retratos, las obras maestras de ambos se encuentran ocupando el espacio central. El “Origen de la tierra” de Brancusi muestra la atención que el artista presta a la importancia tanto del pedestal así como de la escultura. Niram inscribe en este pedestal la fórmula de Albert Einstein E=MC2.
La inspiración de Romeo Niram en Einstein así como en Brancusi aparece por todas partes de la serie “Brancusi E=MC2”, tanto con “Madamme Pogany 1930” como “La ley de la Relatividad”. Con estos trabajos Niram coherentemente alude a Einstein y Brancusi, con las esculturas de Brancusi que acontecen de nuevo en sus pinturas así como las teorías de Einstein.

Al igual que las obras de Brancusi, las pinturas de Romeo Niram plantean la misma pregunta, ¿dónde comienza y termina la obra? Varios de los trabajos de Niram difuminan la frontera entre la pintura y el espectador, del mismo modo que el trabajo de Brancusi traía consigo la pregunta: “¿dónde comienza la escultura y dónde termina el pedestal? “.

En “El Comienzo del Mundo”, “Yo” y “La musa dormida” esta pregunta emerge de forma más destacada. El trabajo de Romeo Niram muestra al espectador una pintura de un artista que pinta un retrato, pero, ¿es el retrato lo que el espectador debería ver o la pintura misma? Este divertido juego tiene referencias a las “Meninas” de Diego de Velázquez, donde el espectador ve al pintor así como al sujeto en acción.

Todas las obras de Romeo Niram son un desafío a la mente del público. Él constantemente presiona al espectador con el fin de que piense que está presenciando un conocimiento profundo de historia de arte así como una actitud de modernidad. Niram mezcla la ciencia y el arte con colores ricos e imágenes para dar su arte una personal dinámica terrenal.

Caitlin Periou es crítica de arte estadounidense, nacida en Covington, Louisiana, que actualmente vive y trabaja en Baton Rouge.

¿Cuándo empezaste a escribir poesía?

Desde muy joven, con 14 o 15 años. Escribir siempre me ha servido de vía de escape.
Al principio mis poemas rimaban, luego me fui adentrando en el verso libre y dejé las rimas para las canciones.

¿Qué significa para ti escribir poesía?

Es mi forma de darle un sentido a todo lo que hago y deshago. La poesía –tanto escribirla como leerla- me transporta a lugares más amables que uso como reencuentro conmigo mismo. La poesía es una especie de refugio al aire libre donde no llegan los disparos del jaleo y la rutina diaria.

¿Los sucesos importantes de tu vida han cambiado de alguna forma tu manera de escribir?

Todo lo que me ocurre se filtra a través de mi escritura, es lógico. Aún no sé cual es mi manera de escribir. Es pronto para saberlo. Sigo nutriéndome de poetas que considero referencia inevitable (José Corredor-Matheos, Rilke, Raymond Carver, José Hierro, Ángel González, Luis Rosales, Pedro Salinas, por nombrar sólo a algunos), y a través de su lectura voy descubriendo miradas nuevas y desplegando anchos paisajes, y finalmente creando mis propios universos privados.

¿Cómo se compaginan la poesía con la música?

Eso no da problema alguno. Son dos vehículos de expresión que combino con alegría y entusiasmo, se alimentan el uno del otro, intercambian ideas incluso, y se respetan mutuamente. Van vestidos de diferente manera, pero hablan el mismo idioma, cada uno en su dialecto particular. Soy un pequeño monstruito de dos cabezas que comparten, afortunadamente, el mismo corazón.

¿Te consideras más poeta que músico?

Es algo que no me planteo. Simplemente me siento a escribir, y a veces sale una canción, y en otras ocasiones, un poema. No hay una lucha interior en ese sentido. Necesito de las dos vertientes para sentirme completo. Con una hoja y un lapicero soy quien quiero ser.

¿Cuándo se fundó el grupo?

Hace ya casi un año (septiembre del 2009). Tenía la idea de formar un trío que reforzara mi forma de componer canciones. Buscaba un bajista y un batería creativos y dinámicos, que fueran capaces de desenvolverse bien a la hora de arreglar temas, y tuve la inmensa suerte de dar con Albert Anguela Y Carlos Lahoz, dos músicos extraordinarios, con una capacidad fantástica de embellecer y engrandecer melodías.

¿Dónde se pueden ver vuestros espectáculos?

En septiembre empezaremos con una pequeña gira de presentación del disco por diferentes salas de Madrid, estaremos cada mes en un local diferente. Sala Galileo, Boca del Lobo, El Juglar, Barcelona 8, El Buho Real, La Palma, Clamores, etc.
En nuestra página web www.pacobello.es se puede encontrar toda la información.

¿Qué proyectos tenéis?

De momento, poner toda la carne en el asador con el nuevo disco.
Estamos preparando un videoclip con el primer single, llamado “Un lugar seguro”.
Y ya está a la venta un libro recopilatorio con todas las letras de mis canciones, publicado por la editorial Poesía Eres Tú, y para finales de año sacaremos a la luz un nuevo poemario.

Biografía

Francisco Bello conocido artísticamente como Paco Bello (Málaga, 22 de diciembre de 1972) es un cantautor, compositor y poeta español. En diciembre de 1995 salió a la venta “No hay problemas” (SONY), su ópera prima. Un compendio de 15 temas repletos de luminosidad y emociones encontradas. En él participan músicos de la talla de Tino di Geraldo, Tony Carmona, Juan y Bernardo Parrilla y con Gonzalo Benavides a la producción. Los singles extraídos fueron la pegadiza “Pare Taxi”, la controvertida “El maletín del financiero” y la marchosa “Sin vino no se anda el camino”.
Hasta el año 1999 no sale a la venta su segundo disco, que coincide con cambio de nombre artístico y compañía discográfica. El CD se titula “Nauta” (PEP´S RECORDS), igual que su nuevo seudónimo. En ese trabajo podemos encontrar temas intimistas como “Que la noche es de huir”, “No sabes cuánto te he querido” (la más coreada en sus conciertos), “Planetas”, y también piezas de corte más impulsivo, véase “Gandul”, la contundente “Ya ves tú” o la terrenal “Más acá”.

A partir de ese momento, Paco Bello, decide desmarcarse del circo multinacional y se lanza a la aventura probando diferentes formatos acústicos (estuvo una larga temporada compartiendo escenario con el guitarrista Antonio Toledo).
En el año 2001 monta una banda de pop-rock en la que se atreve con la guitarra eléctrica, pero aquel fallido experimento sólo duró seis meses que, seguramente, fueron su época más nebulosa.

Después del vaivén, llegaron horizontes más despejados, y fue entonces cuando apareció la idea de crear un dúo con Raúl Hernández, músico y compositor que acudía con frecuencia a los recitales de Paco, y además fue en uno de ellos donde se conocieron. El nuevo proyecto pasó a llamarse “Doctorgrillo”, y durante los siguientes años (hasta 2006) grabaron cinco maquetas que ponían a la venta exclusivamente en los conciertos. Los títulos, por orden cronológico, son “Punto y aparte”(con el nombre de Paco Bello y Raúl Hernández, todavía), “Te escondes” (ya como Doctorgrillo), “Currículum Vitae”, “Si rompes las farolas se encienden las estrellas” y “Presurizados”, disco de despedida que significó un antes y un después en la trayectoria de Paco, ya que estuvo los ocho meses posteriores alejado del circuito, tratando de recuperar el aliento perdido.

En el año 2007 regresó a los escenarios con nuevo brío y sugerentes canciones, en solitario y con su nombre de siempre. Durante su, llamémoslo, “autoreencuentro”, compuso casi 35 canciones, 22 de las cuales acabaron plasmadas a guitarra y voz, con absoluta y concluyente desnudez, en dos maquetas llamadas “El mar nos mira” y “Esos amaneceres”, grabadas en riguroso directo (pero sin público) en la sala El Búho Real. En 2008 ha publicado un libro de poemas titulado “El olor del bosque ha roto mi computadora” (Editorial POESÍA ERES TÚ). En 2009 publica su segundo libro de poesía “Buenos días, Don Pletórico” con la misma editorial.

CÍA. 4 GATOS MADRID
MIÉRCOLES 15, 22 Y 29 DE SEPTIEMBRE DE 2010
JUEVES 16 DE SEPTIEMBRE DE 2010
20:30 HORAS
SINOPSIS:
La comedia trata sobre una comunidad de vecinos en la que tiene lugar un asesinato. Llega entonces un detective despistado que trata de resolver el crimen; en lugar de esto, descubre todas las intimidades de los miembros de la comunidad excepto la que ha venido a averiguar: ¿quién es el asesino? Además de la trama divertidísima, la puesta en escena es muy original: la obra tiene ocho personajes pero sólo puede ser representada por cuatro actores. Éstos tienen que salvar dos personajes cada uno que, naturalmente, nunca se pueden encontrar en escena. Las soluciones que encuentran para conseguirlo hacen al público cómplice del proceso creador de la obra y le dan un importante papel. Además, desde el patio de butacas se tienen todas las pistas necesarias para adivinar quién es el criminal antes incluso de que lo sepa ningún personaje… ¿serán los espectadores unos buenos detectives?

FICHA ARTÍSTICA
Sandra Nicas Figueroa
Aitana Sar González
José Antonio Valdés González
Francisco Martínez Vélez
FICHA TÉCNICA
Dirección:
Cía. 4 Gatos Madrid
Dramaturgia:
José Antonio Valdés González
Escenografía:
Cía. 4 Gatos Madrid
Iluminación y sonido:
Lucía Fresneda

“NO ME HABLES DE FELIPE V”

CÍA. CHEMA TRUJILLO
JUEVES 23 Y 30 DE SEPTIEMBRE DE 2010
21:00 HORAS
SINOPSIS
La copla, la NASA, un chaval de pueblo, una madre loca por su hijo…
Camilo Vergara, Camilín, el de Purita Cuneo. No sabemos cómo lo hizo, pero ahí le tienen ustedes, en “mitá” de la nasa, de despacho en despacho con un plan, una idea, un sueño, una garganta coplera y una escafandra para ir a la luna.
Autor, dirección e interpretación:
Chema Trujillo
Diseño gráfico:
Sobrinas Informáticas y Chema Trujillo
Sobre un argumento original de:
Las Binomias y Chema Trujillo
Selección musical:
Carlos Jesús y Chema Trujillo
Special thanks:
A Esperanza, que me gritó el título en una discusión. A Coral, Rykc, Alex/Susana… Y a la silla –María Dolores
Éste espectáculo está dedicado a quien me llevó un día a Laponia, que se asoma y ve Brujas…

“EL GRAN LIBRO MÁGICO”

CÍA. KAZUMBO
TEATRO INFANTIL
VIERNES 3, 10, 17 y 24 DE SEPTIEMBRE DE 2010
17:00 HORAS
SÁBADOS 4, 11, 18 y 25 DE SEPTIEMBRE DE 2010
12:00 y 17:00 HORAS
SINOPSIS:
Dos incansables viajeros vuelven de la ciudad de los Cuentos, de la isla del tesoro o del país de las vocales con la maleta repleta de historias y personajes fantásticos, y sobre todo, con un libro mágico que contiene fabulosos secretos. Todos estos ingredientes son suficientes para fomentar en los más pequeños el interés por la lectura. Un maravilloso espectáculo infantil que también hará las delicias de los mayores. Marionetas, magia, canciones, juegos,… El Gran Libro Mágico, es un espectáculo lleno de sorpresas.
Para niños de todas las edades.
FICHA ARTÍSTICA
Susana Estelrich
José Solaz
FICHA TÉCNICA
Dirección:
Jorge Velasco
Coordinación:
Susana Estelrich
Iluminación:
Javier Sánchez
Escenografía:
José Solaz

“¡¿SEXO?!”

CÍA. DEVUELTATEATRO
VIERNES 3, 10, 17 y 24 DE SEPTIEMBRE DE 2010
20:00 HORAS
SINOPSIS:
En la puerta del colegio: Tu marido se está tirando a las mamás de Pepito, Juanito, Luisito y Jorgito ¡¡¡Ay Dios, qué me dices, qué vergüenza con lo mal que folla!!! Hablar de sexo nos sigue provocando cierta timidez, una sonrisa ingenua y enfrentarnos a unos miedos, que aún a día de hoy, siguen presentes en nuestra sociedad. A través de este texto, escrito en tono cómico, reflexionamos sobre los comienzos de las relaciones sexuales entre Adán y Eva, pasando por el éxito de las nuevas tecnologías, donde el anonimato prevalece por encima de cualquier otra cosa, hasta adentrarnos en los locales de ambiente liberal actuales. Un repaso en la historia de la sexualidad para llegar a la conclusión de que aún nos sigue costando relacionarnos, piel a piel, con los demás. Un ejercicio a modo de examen de conciencia donde colocar nuestros miedos y descubrir, que a pesar de lo aprendido, aún seguimos siendo como Adán y Eva unos náufragos en un paraíso donde todo sigue estando por descubrirse.
FICHA ARTÍSTICA
Pilar Minsa
FICHA TÉCNICA
Dirección:
devueltateatro
Coordinador dirección:
Carlos Casal Álvarez
Dramaturgia:
devueltateatro
Coordinador dramaturgia:
Carlos Casal Álvarez
Iluminación y sonido:
Carlos Casal Álvarez
Utilería:
Mariano García Espada

“FRUSTRADOS”

CÍA. DIÁGORAS PRODUCCIONES
VIERNES 3, 10 y 17 DE SEPTIEMBRE DE 2010
23:00 HORAS
SINOPSIS:
Os proponemos un reto muy simple: vamos a reírnos y a emocionarnos con el mal ajeno, para variar. Intentaremos ayudarles en este propósito con relatos grandes y pequeños sobre la falta de amor, de sexo, de una cordura necesaria para aceptar lo que nos ha tocado vivir.
FICHA ARTÍSTICA
Clara García de la Plaza
Antonio Nodal
FICHA TÉCNICA
Dirección:
Daniel Acebes

“KAMIKACE”

CÍA. TERIYAKI TEATRO
SÁBADOS 4, 11, 18 y 25 DE SEPTIEMBRE DE 2010
20:00 HORAS
SINOPSIS:
¿Y si la suerte cambiara? Filadelfio, un hombre con suerte, lo ha tenido todo en la vida y busca jugar con la muerte para sentir que no lo puede controlar todo pero ¿y si la suerte cambiara? En clave de tragicomedia, y con una estructura cinematográfica en la puesta en escena, los personajes van tejiendo la vida de Filadelfio hasta que la dan la vuelta: humor, drama e intriga son condimentos para una historia que deja al espectador pegado al asiento durante 50 minutos.
Historia de la compañía:
Parte de actores formados en la sala triángulo y con un camino claro a hacer teatro muy cercano huyendo de la declamación. Son jóvenes pero con mucha fuerza y naturalidad en la actuación aspecto necesario en el panorama teatral actual. Es el primer montaje de la compañía. Teriyaki teatro: compuesto por Luis Flox, Paula Larrea, Paula Méndez y Urko Vicente e Israel Martín como presidente de honor.
FICHA ARTÍSTICA
Filadelfio
Luis Flox y Urko Vicente
Filadelfia
Paula Larrea
Sara
Paula Méndez
FICHA TÉCNICA
Dirección y dramaturgia:
Israel Martín
Iluminación y sonido:
Israel Martín

“MATAR X MATAR”

CÍA. POMBO TEATRO
SÁBADOS 4, 11, 18 y 25 DE SEPTIEMBRE DE 2010
23:00 HORAS
SINOPSIS
Queridos criminales y amigos, Bienvenidos al único sitio donde no seréis juzgados. Donde podrás encontrar gente como tú. Si estás dispuesto a asumir el lado oscuro que tenemos todos los seres humanos, estás preparado para asistir a esta peculiar forma de terapia para los crímenes de la vida cotidiana.
Atrévete a venir a la primera reunión de Asesinos Anónimos, te esperamos…
Pombo Teatro nos ofrece una representación de situaciones y testimonios de los asistentes a la reunión, cohesionadas a través de la voz de una locutora de radio. Tres actrices interpretan más de 80 personajes en un montaje rápido y dinámico con el que seguro os sentiréis identificados.
FICHA ARTÍSTICA
Pili Palomo
Paloma del Campo
Laura Garmo
FICHA TÉCNICA
Dirección e Iluminación:
Vanessa Palomo
Sonido y Diseño Gráfico:
Antonio García

“FILIBERTO Y LA BRUJA”

TEATRO INFANTIL DE GUIÑOL
CÍA. KAZUMBO
DOMINGOS 5, 12, 19 y 26 DE SEPTIEMBRE DE 2010
12:00 Y 17:00 HORAS
SINOPSIS:
Filiberto va a ver a su enamorada Carlota y descubre que la bruja se la ha llevado porque no quiere que venda más libros de cuentos a nadie nunca más. Filiberto, gracias a su imaginación, es capaz de hacer que los personajes de los cuentos le ayuden. Así, caperucita roja le contará lo que pasó con la bruja Filomena, utilizará la alfombra mágica para volar hasta la casa de la bruja y conseguirá derrotarla gracias a otros personajes de cuentos clásicos.
FICHA ARTÍSTICA / TÉCNICA
Dirección:
Jorge Velasco y Susana Latorre
Dramaturgia:
Jorge Velasco y Javier Sánchez
Iluminación y sonido:
Javier Sánchez
Creación de marionetas, atrezzo y decorado:
Susana Latorre
Manuel Varela
Alberto Romo

“TU A BOSTON Y YO A TOMAR POR CULO”

CULTURA LGTB
CÍA. SALMOREJO TEATRO
DOMINGOS 5, 12, 19 y 26 DE SEPTIEMBRE DE 2010
20:00 HORAS
SINOPSIS:
Antonio y Marcos comparten piso. Uno es gay declarado y el otro acaba de terminar una relación tormentosa con su novia. Como compañeros de piso entre ambos surgirá una amistad que quizás les pueda llevar a algo más. Tú a Boston… es una comedia sobre la amistad, el amor y las relaciones que se funden hasta que llega el momento en que se confunden.
FICHA ARTÍSTICA
César Rosado
Javier del Arco
FICHA TÉCNICA
Dirección y dramaturgia:
Francisco Rodríguez
Música:
David Bueno
Fotografía:
Tazaimedia Producciones
Diseño gráfico:
Elena del Arco

¿Qué significa para ti el arte?

Para mí el arte es una totalidad, es una forma de vida. Son espejos que creamos en donde nos reflejamos y los demás pueden encontrarse. Crear es manifestar iluminado zonas de la conciencia en el plano físico.
Ves una obra, y repentinamente algo te identifica; porque tiene que ver con los principios y valores, la verdad, la constancia, la paciencia, el miedo, la belleza, el misterio, los secretos, la incertidumbre, el juego, es por eso que supera los tiempos y las manipulaciones de políticas y mercados. Cuando crees ver el alma del artista, lo que estás viendo es algo de tu propia alma.

¿Cuándo empezaste a pintar y a hacer fotografía?

Comencé a pintar desde muy pequeña, a los 8 años aproximadamente, a los 13 fui a un taller de dibujo y escultura en metales.
Pintaba sobre las madonas y sus niños, los volcanes, las cuevas prehistóricas y usaba varias técnicas como el papel mache, también hacia, mis muñecas de trapo. Era muy creativa, pero por sobre todo escribía, poemas muy dramáticos! a los 12 años mi lectura era Borges, Neruda, Becquer y Garcia Lorca, todo esto formaba parte de mi mundo interno.
La fotografía llego a mi vida después, tome la libertad e intuición; utilizando las cámaras digitales, estas nuevas tecnologías son formidables, aportan cierta velocidad y dinamismo al proceso creativo, creo que es un error pensar que resuelven todo, siempre la fotografía debe ir acompañada de la objetividad perceptiva.

¿Es el arte una herramienta para acercarnos a la divinidad?

El arte es una experiencia profunda de vida, una experiencia en la cual están activos todos los sentidos, los componentes de quien en verdad somos, el pasado, presente y futuro. Es un quantum, una forma de energía que al ser activada con el trabajo diario, fluye como en un canal, que es indispensable “realizar”. Desde este enfoque, es para mí el arte una herramienta muy poderosa, que abarca lo simple y complejo, pero también lo extraordinario.
¿Qué tienen en común el arte y la espiritualidad?
Es muy interesante esta pregunta. Por experiencia el arte resulta ser la expresión de la espiritualidad.
Te cuento sobre mi proceso: durante los años de estudio en la academia, realice una reinterpretación personal de la historia “oficial” del arte que comúnmente se suele enseñar en los cursos. Alguna vez publicare algo de esto. Mi visión tenía una perspectiva en la cual cada artista ejercía de alguna manera el chamanismo, es decir el uso de energías con determinado fin.

Siempre encontraba, grandes artistas, en su mayoría hombres, ellos lograban llevar su arte con cierto grado de éxito y trascendencia; pero las mujeres, que yo esperaba encontrar como referentes tenían vidas terribles, muchas sobrepasadas por sus propias oscuridades y pasiones, y otras tantas tratadas como ciudadanas de segunda. Esto realmente me desanimaba, pero en mi búsqueda personal, encontré maestras espirituales, investigadoras, antropólogas, como por ejemplo Lynn Andrews, Riane Eisler, Vicki Noble, abocadas a un estudio serio, como punto revelador para las mismas mujeres. También noté que ellas mismas desarrollan ampliamente su espiritualidad e intelectualidad, y se muestran al mundo ejerciendo su poder creativo, abarcando todas las artes, escritoras, músicas, pintoras, ecologistas, etc. Esto fue sumamente liberador, unió el concepto con la experiencia artística y espiritual en mí.

¿Practicas alguna religión?

No practico ninguna religión, en forma dogmática. Tomo la filosofía existencial y la física en su origen.
Como artista es indispensable la libertad para experimentar, mi religión es la naturaleza y el arte, esto me condujo a reconocer mi lugar y mis propias energías, y por ende a ser coherente con mi propia naturaleza ” femenina”, y el arte es la forma que encuentro de vivir y expresar los componentes de quien en verdad soy.

¿Qué es lo que te hace creer que existe una divinidad, un Creador?

Creo en una enorme y poderosa fuente que origina el universo, que es Femenina, y que emana permanentemente desde el vacío. Lo que me hace creer que existe una divinidad, es la propia vivencia de experimentar ese vacío y la oscuridad interna, tal vez por eso busco pintar luz, tratando de pintar belleza, se origina en este “autoconocimiento” de la oscuridad, es entender que no es un proceso de vida solamente, es un proceso de Vida-Muerte-Vida.
La muerte y la enfermedad son grandes maestros, no se necesita buscar grandes enseñanzas, enfrentándote en algún momento a estos hechos, podes revalorizar y tomar conocimiento. Este conocimiento de la oscuridad, que en las mujeres es de primera mano, por la facultad de dar a luz, puede causar estragos en la propia vida si no lo comprendemos.
Pero, no creo en un Creador, o padre dador, ajeno, que decide con el pulgar que está bien o mal, ni nada parecido, esa idea ciertamente ha mantenido a la humanidad en un retraso continuo y ayuda a evadir la responsabilidad de crear la propia vida y cuidar la comunidad.

¿Qué quieres transmitir a través de tu serie de fotografía Fuego y Agua?

Fuego y Agua se refieren a los tesoros, los elementales, la alquimia. Los objetos que usé son claves en el chamanismo y en el uso de la energía, son cristales, hielo, luz roja, plumas de cuervo, de pavo real, regalos de la naturaleza, esto lo hice inmediatamente cuando llegué de unos de los viajes por la cordillera Argentina, en especial cuando estuve investigando los glaciares de la Patagonia.

La experiencia de estar allí es intensa y transformadora, supera los sentidos, podemos ver y sentir el paisaje, los bosques, pero también ocurren transformaciones en lo invisible y en esto ayuda la fotografía. Yo no necesito mostrar mis fotos de los glaciares, porque allí busque otro tipo de transformación pintándolos, pero la serie Fuego y Agua, es hablar de la misma experiencia a un nivel visionario.

En esta serie utilizaste cristales. ¿Por qué?

Los Cristales son mis ayudantes, están en mi mesa de trabajo, en diferentes lugares de mi casa, ahora mismo tengo una obsidiana negra en mi bolsillo. Son maravillosos colaboradores. Los uso por que percibo sus diferentes energías, son regalos de la tierra, que en muchos casos tienen miles de años, y también percibo, como dicen los antiguos, que nos orientan en el uso de la energía y corrección de la misma. Son Geometría Sagradas, contienen la divina proporción, del mismo modo que el arte.
Además, nos hablan de la luz y de la teoría del color. Los uso con los Mándalas y en mis consultas de Arte Terapia.

¿Por qué predomina el azul en tus obras?

Intuitivamente comenzó a definirse el azul en mis obras, en épocas en las que estaba muy interesada en los estados no ordinarios de conciencia y las investigaciones de David Bohm, Sheldrake, la teoría del campo morfo genético. Quería pintar el caos, entonces surgieron explosiones abstractas azules, a modo de Big Bang con partículas doradas y magentas, es la serie Azul y la que llame La inagotable risa del Paraíso, fuera de toda simetría.

Luego realice respiración holotropica, el método desarrollado por S Groff, técnica muy curativa, que abrió todo un universo llevándome a experiencias con Plantas sagradas, del Amazonas, estas experiencias desarman las estructuras del ego y muy profundamente te muestran los distintos niveles de existencia, estas mismas me enseñaron que el planeta está vivo, late, respira, tiene conciencia, que sostenemos un dolor colectivo, mas grande que el individual, y lo proyectamos en nuestra generosa Tierra, haciendo un gran daño. Guardé parte de todo ese proceso en pinturas muy viscerales y Mándalas.

Luego, por atracción descubrí al francés Yves Klein y los nuevos realistas, sus azules y performances, lo estudie cierto tiempo y evidencié una similitud con mi pensar, así comencé con la serie fragmentación energética, siguiendo el concepto de reflejar distintos estados de energía.

¿Te dedicas solamente a pintar y hacer fotografías?

Realizo muchas cosas más. No me privo de nada.
Escribo sobre mis investigaciones en el campo de la espiritualidad femenina, los arquetipos de la Diosa, los Mándalas y el proceso creativo, métodos de arte terapia combinadas con mis experiencias en chamanismo, realizo seminarios, cursos personales y online.

También me encanta el diseño: pinto con acuarela en seda, realizo cada dos años una colección especial de sedas, con diferentes diseños y usos, para decoración e indumentaria. También artesanía sagrada, en gamuza y materiales nobles.
Hace 20 años que dirijo mi galería de arte y mi tienda de marcos y restauración, en Buenos Aires, dentro de lo cual, estoy más abocada a la fotografía de retratos y a la investigación digital.

¿Qué proyectos tienes?

Estoy terminando mi primer libro de Mándalas y un Oráculo, que se publicará en el transcurso del 2011, en este último publicaré ilustraciones y meditaciones creativas.
En diciembre expondré en la Conferencia de la Diosa en Córdoba, Argentina. Un evento en el que me interesa participar y apoyar, ya que crea un nuevo espacio, de intercambio, enriquecimiento y sanción para las mujeres, de todas las religiones, nacionalidades y razas.

Que las mujeres volvamos a celebrar nuestros ciclos, aprendiendo que transmitir es indispensable, en nosotras, la posibilidad de recuperar el conocimiento de nuestra especie. Cuando escucho sobre los abusos y violencia cada vez más tremendos, no me es fácil metabolizar un mundo así, entonces esto reafirma la necesidad de resurgir los círculos de mujeres.
Estoy trabajando en otro proyecto, preparando también para el próximo año la nueva colección de sedas, que con mucha felicidad presentaré junto a mis pinturas en la tierra de mis abuelas, en Madrid.

Me llama la atención el título “Ensayo sobre la lucidez” y leo que es una serie de pinturas que ha trabajado Niram influido por diversas disciplinas: literatura, cine, arquitectura, filosofía y teología. Deduzco un trabajo de reflexión global que profundiza en sí mismo pero que a la vez establece lazos con otras expresiones y otros pensamientos, no es poco el empeño.

Romeo Niram

Hacer arte es comunicar, acercarse al otro con la expresión propia, claro que, hay que hacer un esfuerzo de lucidez para que la intención llegue lo más abierta posible, quien disfruta de la obra de arte también tendrá que estar dispuesto a abrirse a sus manifestaciones internas. Las claves las aporta el propio artista. Y veo en Niram que esas claves o códigos los interacciona con rigor para que el mensaje llegue abierto.

El arte plástico es espacial y creo que Niram construye muy bien las arquitecturas casi misteriosas de sus composiciones, en una de ellas queda imbricado el rostro fragmentado (o sugerido) del poeta portugués que escribió estos versos con el color de sus sentimientos y que la memoria recuerda:

Es tal vez el último día de mi vida.
Saludé al sol, levantando la mano derecha,
pero no le saludé diciéndole adiós;
le hice un gesto de que me gustaba verlo antes: nada más.
(Fernando Pessoa, Poemas de Alberto Caeiro)

Sigo con esta serie de “Ensayo sobre la lucidez”, me sobrecoge la imagen de un desnudo masculino asaetado por largas cruces, ¿qué nos quiere decir el artista? No hay escenografía, solamente una sombra negra tras el cuerpo desnudo que sufre una implacable lluvia de cruces penetradas en la carne y mostrando su desvalimiento, es curioso que las cruces se contrasten en grises y blancos, los colores con los que se modela el cuerpo del joven. Obra abierta, sin embargo, que nos sumerge en el tiempo de las historias antiguas y recuerda a Sebastián, el soldado romano martirizado por orden del emperador al tener conocimiento de que profesaba el cristianismo.
Iconografía intensa y múltiple, así veo las imágenes de Romeo Niram. En el vídeo sobre los retratos de los herederos al trono de España, cita a tres maestros básicos: Leonardo, Dalí y Brancusi.
Los dos primeros realistas (Dalí surrealista) de profundos significados, y Brancusi abstracto, igualmente de profundo significado. Realismo, surrealismo, abstracción, tres maneras de expresar imágenes fundamentales en el arte desde principios del siglo veinte. La síntesis de estos estilos lleva a Niram a intercambiar formas diferentes para crear la imagen, las dota de una fuerza interna.

Me atrae la invención que se ve en La fórmula de Dios pintura de la serie “Brancusi E=mc2”, en primer plano el huevo cósmico sobre una especie de caja circular, y detrás, enmarcados en el universo: a la derecha, la versión de la creación de Adán por Miguel Ángel, Dios señalando a un solitario Adán; a la izquierda, Eva encumbrada en mandorla como el Todopoderoso, con abundante pelo suelto y rodeada de jóvenes, no está sola, aquí hay alegría.

Como una diosa señala con su brazo E=mc2 en dirección al ovalado huevo cósmico que guarda en su interior otra vez la fórmula de Einstein.
Esta famosa fórmula universal relaciona la energía y la masa adentrándonos en la transformación de los cuerpos. Teoría religiosa y científica, creación del hombre y explosión del universo, en el centro ese embrión transparente como algo mágico.
Ciencia y poesía nuevamente. Podríamos adentrarnos en la noche de los tiempos cuando las diosas eran honradas por colaborar tan grandemente al milagro de la vida. Un símil poético se me ocurre: la diosa ofrece sus tibias manos y el hombre cree soñar. Pintura y poesía tienen una cosa en común, contar la historia con los elementos esenciales.

Tina Pastor Ibañéz es crítica de arte y poeta, nacida en Valencia.

Paco Bello

Mar Suarez

Paco Bello, cantautor y poeta, nunca se separa de su guitarra y sus versos. Va por su segundo libro de poemas “Buenos días, don Pletórico” (Ed. Poesía eres Tú, 2009), después de “El olor del bosque ha roto mi computadora” (Ed. Poesía eres Tú 2008).

En este segundo volumen, Bello da forma a un gran número de poemas en los que la espontaneidad, el humor y la sencillez se anudan para conformar una experiencia poética poco usual.

En primer lugar, el lector se ve enfrentado a su propio mundo urbano, el madrileño, poblándose los poemas de los ingredientes de la vida cotidiana en la ciudad, en clara rebeldía ante el concepto clásico que los rechazaría por su naturaleza anti-poética.

Ecografías, electrodomésticos, paradas y autobuses, televisores, taladros, farolas, camiones de la basura… son símbolos que permiten esta emigración literaria del campo a la ciudad, a su soledad y a su anonimato, a su ajetreo. Al mismo tiempo que palpitan las sensaciones del poeta, se crea alrededor suyo todo el marco de flujos y movimiento, de dinamismo y ruido propios de la urbe.

Y no surgen, precisamente para atacar a la ciudad a favor de aquellos tópicos que “huyen del mundanal ruïdo”, que dijera un frailecillo, sino, una nueva concepción contemporánea de aquel locus amoenus, aquel lugar agradable que ya no sigue necesariamente los patrones de la armonía natural de campos, prados, bosques y riachuelos. Aquí los bosques son de edificios, separados apenas por veinte metros, los campos y prados son las calles por las que también sopla el viento empotrándose contra las esquinas, y los riachuelos la gente y los vehículos que recorren sus cauces asfaltados y adoquinados.

En segundo lugar, toda esta alegoría introspectiva y urbanita se sostiene sobre un criterio poético: Todo libera un poema. El todo que pertenece al mundo, el todo que conforma nuestra realidad, el todo con el que convivimos, que nos rodea, nos aplasta o nos acompaña y acaricia. El criterio aparece en unos de los primeros poemas del volumen de Bello, con título homónimo. Así ocurre con gafas de sol que se miran, con un moscardón sobre la pantalla de la televisión, con una tarrina de helado. De este modo, no hay ni puede haber palabra anti-poética si la idea es reconstruir la realidad mediante la palabra y el verso. Todo concepto y palabra que apunta a la realidad que vivimos debe poder tener su hueco según nos toque y nos afecte.

Con lo mencionado anteriormente aproximaríamos el ejercicio poemático de Bello a cierto neofuturismo, aunque ya sin ese componente agresivo e irreverente que Marinetti depositara en los inicios en el primer tercio del s. XX. Pero también encontramos ensayos de caligramas como los poemas “Cosquillas” o “Pozo”, donde, en el primero, el motivo de la peonza termina fusionándose con el dibujo mediante la disposición de los versos del mismo objeto, acercándose con ello, de nuevo, a las antiguas corrientes del vanguardismo del s. XX, esta vez, a la poesía visual, al Creacionismo de Huidobro y al Cubismo de Apollinaire.

Es decir, Bello está recogiendo en su estilo y lenguaje el testigo y las influencias de algunas de las más representativas corrientes de la vanguardia literaria en la incansable y continua labor creativa de todo poeta.
Pero, sobre todo, señalamos al comienzo los tres rasgos fundamentales de sencillez, humor y espontaneidad. Efectivamente, los poemas inspiran la naturalidad original con que vinieron al mundo, a través de un vocabulario habitual, con elevaciones retóricas o léxicas escasas; antes bien, crea un universo coloquial, incluso del registro oral antes que del escrito, sonsacándonos alguna sonrisa al reconocer también como nuestra la experiencia que nos comunica. Con esto, Paco Bello acerca la poesía a la inmensa mayoría de posibles lectores, y sale de esa torre de marfil donde el común de los mortales creen que viven los poetas. El Parnaso puede ser nuestra ciudad, las Musas pasear por la Gran Vía y hablarnos sin enigmas, sino llanas y con meridiana claridad.

Tina Pastor

La literatura está rodeada y atravesada de laberintos, lugares de máxima soledad y desorientación de donde sólo el ánimo de uno mismo puede sacarnos; lugares donde perderse es más fácil que encontrarse, y donde la amenaza y el temor nos asaltan antes que cualquier seguridad.

Sin embargo, no es necesario que haya monstruosos Minotauros o bellísimas Rosamundas, ni grandes muros, o setos recortados a propósito, sino que bastan los días, los años, la experiencia del ser humano para un buen día tomar conciencia de haber sido

arrojado a un laberinto del que nunca ha salido y, quizás, del que nunca saldrá. Un laberinto del que es imposible trazar sus caminos y sus cámaras, del que no existe plano y en el que Ariadna no podría ayudarnos, porque es individual e intransferible.

Tina Pastor, historiadora del arte, crítica y poeta, descubrió, como tantos otros escritores y poetas, que vivía dentro de ese laberinto de la existencia humana, y escribió, con una diferencia de casi veinticuatro años, dos poemarios titulados “Laberinto de tierra” (1984) y “Laberinto de luz” (2007).

Por lo que sé, de “Laberinto de tierra” se dijo que no era un libro accesible, sino hermético, cerrado sobre sí mismo y su propio código. Y no sé si esto suena a crítica o si, más bien, es una virtud. Es mucho más habitual que un libro de poemas se muestre hermético por obra del lector que por obra de su autor. Acaso en la pintura suceda lo mismo. Cuando no se entiende una obra, literaria o pictórica, musical o escultórica, ¿le echamos la culpa al artista o al escritor? ¿Acaso no es cosa nuestra el entender, de haber algo que precise de entendimiento?

¿Dónde quedaría nuestra responsabilidad como lectores y espectadores, nuestra parte? Sólo a aquel que intenta explicar se le puede reprochar cuando no entendemos. Pero los escritores y artistas no tratan de explicar, y este es el quid de la cuestión. Somos nosotros los que debemos introducirnos en ese laberinto y apartar las excusas. Somos nosotros los que debemos recoger lo que encontremos, mucho o poco, y si es nada, ya deberíamos estarnos preocupando. Por citar un ejemplo, muy cercano de la autora, lo mismo le ocurrió a Miguel Hernández y su “Perito en lunas”: difícil, enrevesado, con un lenguaje que no le correspondía. ¿Qué sabían ellos si el lenguaje le correspondía o no a Miguel Hernández?

Es cierto que “Laberinto de tierra” no puede deshojarse como se deshoja una margarita. Esto quiere decir que el libro no estaba escrito, sobre todo, hacia fuera, sino fundamentalmente, desde dentro, con su carga subjetiva y su código íntimo. ¿Quién ha dicho que no pueda ser así la poesía? Únicamente pueden decirlo aquéllos que piensen que la poesía es un acto comunicativo más, que, secundariamente, tiene fines estéticos. Bien que use la lengua, y que ésta sea vehículo de comunicación. Pero esto no significa que allá donde aparezca la lengua debe primar la comunicación, y, por tanto, deba subordinarse al lector u oyente. A veces, somos nosotros los que sumisamente tenemos que aceptar el reto e incluso salir perdiendo.

En mi caso, he tenido la ocasión de leer algunos poemas de Tina Pastor pertenecientes a “Laberinto de tierra”, y encontré un universo de símbolos personales que me llevaban a evocar, o a imaginar, la tierra que pisa la poeta alicantina. Así, reparaba en el poema que comienza “Y la torre de neón…”, entre el Mediterráneo, las brisas y las gaviotas. Existe también una tensión sexual, amatoria, junto a un continuo atentado intencional contra la lógica sintáctica y las razones de concordancia y de puntuación. Tina Pastor no escribe oraciones, sino que construye el verso a golpe de palabra y símbolo. Precisamente, es esto lo que al mismo tiempo que complica la comprensión, realza el valor del poema. Valor en el doble sentido de estima y de valentía.

En los años ochenta, los novísimos y las experimentaciones metalingüísticas anteriores caían, se retomaban influencias del medio siglo como lo narrativo, la realidad y la inteligibilidad del texto. Digamos que se volvía al intento de escribir para la “inmensa mayoría”. Tina Pastor, en cambio, mantiene una actitud poética contracorriente, alejada de las formas que la rodeaban, autosuficiente, aunque existan contagios de la temática urbana o primacía de la experiencia y lo sensible, lo físico con toda su contundencia.

Tantas corrientes y reacciones hay en los finales de los 70 y la década de los 80 que resulta imposible no terminar coincidiendo en algún momento con algún postulado, tema o estilo. Muchos años después hay un cambio. Aparece “Laberinto de luz” (2007) y el lector ve como ante él se transforma aquel “No existe más allá de nuestra voz / tan sólo un torrente vacío / donde desaparecen nuestros besos” en este otro verso breve: “Para mí todo un mundo”. Tina Pastor, tras los casi veinticuatro años transcurridos, se pliega a la voluntad de ser entendida. Con ocasión de este nuevo libro, Tina Pastor dijo “Quería hacer algo que fuera producto de las ideas pero que al mismo tiempo lo pudiera leer la mayoría de gente”. De este modo, aún siendo libro nacido también de la vivencia personal y de la experiencia, en cambio da un giro de ciento ochenta grados en el estilo. Se retiene el impulso y la tensión, gana en reflexión, como un fruto madurado con el paso del tiempo, y se dirige a la “inmensa mayoría” retomando la norma sintáctica y borrando el universo simbólico para acentuar más la realidad actual –pienso en el poema Cercos de hierro, sobre la experiencia de Irak.

Cede parte de las licencias y libertades absolutas del pasado por mor de la comprensión. El verso se retira del inusitado poder del canal poético para retomar la comunicación compartiendo el código del lector. Ahora el poema se escribe más hacia fuera que desde dentro, aunque sin abandonar nunca el núcleo del yo poético que escribe.

Y quizás hoy alguien, los que señalaron el hermetismo anterior, diga que se entiende demasiado bien a Tina Pastor, como si fuera el poeta el que cabalga a destiempo, como si fuera el poeta el que llega tarde. Pero los poetas jamás se retrasan, no pueden hacerlo. Su reloj no es el nuestro. Su tiempo tan sólo transforma los laberintos que atraviesan, de tierra a luz, porque es el tiempo, porque es nuestra vida, el verdadero laberinto. Porque nosotros mismos somos el laberinto.

Antonella Colaninno es crítica de arte que nació en Nápoles. Actualmente vive y trabaja en Bari.
Contacto: antonellacolaninno@alice.it

¿Qué temas te inspiran más para escribir?

Existen temas universales como el paso del tiempo, la muerte, la naturaleza, el amor, la amistad… que han inspirado a los poetas de todos los tiempos y que, naturalmente, a mí también me han inspirado.
Pero lo que realmente es motivo de inspiración directa para mí, son los acontecimientos de la vida cotidiana, tanto de mi presente como de mi pasado. Vida y literatura están, en mi caso, y en el de tantos otros escritores, indisolublemente unidos.
Mis poemas tienen, por lo común, un carácter narrativo y el lenguaje que empleo, aunque poético, no es nada hermético. No busco crear metáforas intrincadas. Mis poemas no son oscuros ni ornamentales. Como decía antes, utilizo la poesía como una forma de entender mejor la vida. También de desvelar sus misterios. Por eso prefiero utilizar un lenguaje claro, que hace que mis poemas sean fáciles de leer incluso para los lectores no habituales de poesía.
Esto no significa, en absoluto, que no me preocupe por el ritmo o la musicalidad del poema, o por otros aspectos técnicos. Utilizo los elementos formales de la lírica, a pesar de que mi poesía invite al lector a sentirse cómodo.
Pero tú me preguntabas por los temas que inspiran mis poemas y centrándome de nuevo en la pregunta, creo que algo que me ha inspirado mucho son los conflictos emocionales del pasado: el desamor de mis padres, el sentimiento de inadaptación y soledad de la adolescencia, el propio fracaso sentimental, etc. En general, las dificultades del pasado y también del presente y la necesidad de curar el alma.

¿Consideras que un poeta tiene que escribir sólo en los momentos de inspiración o debe tener una disciplina?

Como decía Picasso, “la inspiración existe, pero debe encontrarte trabajando”.
Desde luego, hay momentos en los que me siento inesperadamente tocado por la inspiración, pero ésta acude con más frecuencia en los períodos en los que me esfuerzo diariamente por encontrar ideas nuevas.
La poesía es muy esquiva si no la buscas. Todos poseemos una cierta energía expresiva y a todos nos hacen vibrar determinadas experiencias, como por ejemplo la vivencia de la naturaleza. Un excursionista siente el gozo de subir una montaña y contemplar desde lo alto el valle. Pero intentar captar con palabras ese goce requiere de una cierta audacia, porque aparentemente es imposible. El poeta, sin embargo, siente el impulso de la inspiración y, a menudo, lo consigue. Partiendo de su vivencia, consigue que otros también vibren.

¿Qué tienen en común un poeta, un profesor y un actor?

Esta pregunta me arranca una sonrisa. Me hace recordar algún momento en el que mis alumnos me han insistido en que les leyera algunos de mis poemas, y después de hacerme de rogar un tanto, he utilizado parte de una clase para leerles algo, tomándome mi tiempo para darle toda la intensidad posible. Y al acabar, he recibido un afectuoso aplauso. En ese momento, yo era al mismo tiempo las tres cosas: poeta, profesor y actor. Y como las tres profesiones me fascinan y son tan gratificantes, me he sentido un privilegiado al poder unirlas.
La escritura, la enseñanza y la interpretación son para mí tres regalos de la vida.
Siento también que las tres actividades tienen en común una actitud de entrega absoluta a aquellos a los que va dirigida.

¿Cuándo decidiste que estabas preparado para publicar tu primer libro de poesía?

Al escribir mi libro Regreso he experimentado por primera vez la sensación de madurez literaria. Todo lo que he escrito previamente ha tenido sólo validez como proceso de aprendizaje. Siento sinceramente, que no merecía la pena ser publicado.
Además considero que debo seguir creciendo y madurando como poeta, al tiempo que como persona. Digamos que siento que estoy en un momento de madurez creativa y vital, pero que he de seguir mejorando.

¿Cómo actor, te ha tentado escribir teatro?

Tengo “el veneno del teatro” metido en la sangre. Esto me inclina poderosamente hacia cualquier escenario y aunque hasta ahora no lo he hecho, no descarto en absoluto, escribir algún día teatro.
Sin embargo, me siento más cómodo como poeta en el ámbito de la creación literaria. Y si tuviera que elegir entre escribir teatro o representarlo, no dudaría en escoger subirme a las tablas.

¿Cómo te gustaría que fuera tu vida dentro de diez años?

Me gustaría sentirme igual de enamorado e igual de amado que en estos momentos. ¿Qué otra cosa mejor se le puede pedir a la vida?
Raymond Carver lo expresó maravillosamente en el último poema que escribió antes de morir de cáncer a los 50 años. Se titula “Último fragmento” y pertenece a su libro Un sendero nuevo a la cascada:
“¿Y conseguiste lo que
querías en esta vida?
Lo conseguí.
¿Y qué querías?
Considerarme amado, sentirme
amado sobre la tierra.”

Este poema inspiró uno de los poemas de mi libro y recoge ese deseo universal de amar y ser amado.
Respecto al éxito y al reconocimiento, no voy a negar que resulta alentador, pero lo más importante es sentirse satisfecho con el esfuerzo realizado. Sentir que lo has hecho lo mejor que has podido y que has dado lo mejor de ti mismo.
Y además está la recompensa de haber disfrutado haciendo aquello que te apasiona. No pido más.

¿Por qué la poesía no es hoy en día un género comercial?

La idea de lo comercial está unida también a la idea del éxito, de la que hablábamos. Pero el éxito no es lo más importante, y desde luego, no lo es para un poeta.
No importa que la poesía no sea un género comercial, ni dilucidar por qué no lo es. Lo importante es que siempre habrá gente con la sensibilidad o la predisposición necesaria para disfrutar de la buena poesía.

¿Según tu opinión, cual es el mejor poeta de todos los tiempos?

Cada tiempo y cada sociedad tiene sus mejores poetas, porque tiene sus propios gustos estéticos.
Si me preguntas por los míos y si tengo que elegir a una única persona, elijo a Jaime Gil de Biedma. Y lo hago porque lo considero un maestro, que ha influido trascendentalmente en mi propia obra.
Mientras escribía Regreso releí toda su obra. Y sentí no solamente afinidad (esté es, por cierto el título de un poema del libro que le dedico), sino una auténtica comunión. Sentía que la experiencia que él comunicaba me tocaba muy hondamente, hasta el punto de que, aunque nuestras circunstancias vitales no fueran coincidentes, compartía con él algún tipo de relación íntima.
Puedo afirmar que Regreso nació gracias a Gil de Biedma.
Pero hay tantos grandes poetas de todos los tiempos… Afortunadamente.

Licenciado en Filología Hispánica por la Universidad Complutense de Madrid. Cursó estudios de Doctorado en el programa de Literatura española moderna y contemporánea. Profesor de Lengua y Literatura desde el año 1991 hasta la actualidad en los niveles de ESO y Bachillerato. Apasionado por el teatro, ha realizado también cursos de formación actoral y ha participado como actor en obras como Las mariposas son libres de Leonard Gershe, o Fuera de quicio de José Luis Alonso de Santos. Además ha sido profesor de taller de teatro y ha dirigido diversos montajes de obras como Morir, de Sergi Belbel, El cadáver del señor García, de Jardiel Poncela o Melocotón en almíbar de Miguel Mihura. Asimismo ha realizado diversos cursos de fotografía profesional y retoque fotográfico. Sus tres grandes pasiones son la poesía, el teatro y la fotografía.